Le showrunner de One Piece, Joe Tracz, partage la note la plus importante qu’Eiichiro Oda avait pour la saison 2

Une pièce la saison 2 ressemblait à un miracle. Après que la première saison ait déjà montré qu’il était possible de transposer le chef-d’œuvre d’Eiichiro Oda en live-action sans perdre son essence, la saison 2 a prouvé que ce n’était pas un hasard, elle comprend réellement ce qui fait la différence. Une pièce super. Il capture à la fois le caractère caricatural idiot du manga, tout en ancrant les personnages pour qu’ils se sentent comme de vraies personnes. C’est un spectacle de baleines mélomanes, d’un type aux cheveux en forme de cintre, d’une loutre chevauchant un vautour armé de mitrailleuses au combat. C’est une saison plus grande, avec des éléments encore plus ridicules que la première saison. C’est alors que nous rencontrons enfin Tony Tony Chopper ! Et d’une manière ou d’une autre, tout fonctionne.

Non seulement cela, mais la série a réussi à s’améliorer par rapport à sa première saison même après un changement de showrunners. Les créateurs originaux de cette adaptation étaient Matt Owens et Steve Maeda, mais ce dernier est parti après la sortie de la saison 1, remplacé par Joe Tracz.

Nous avons parlé avec Tracz de son fandom de manga et d’anime, des notes qu’il a reçues d’Eiichiro Oda et de ce à quoi les fans peuvent s’attendre pour la troisième saison de Une pièce.

Note de l’éditeur : L’interview suivante a été modifiée pour plus de clarté.

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Dans quelle mesure connaissiez-vous One Piece avant de rejoindre la série ?

J’ai toujours été un fan de mangas animés, mais Une pièce c’était un peu un angle mort pour moi. Il y en a tellement que j’ai toujours eu l’impression, mec, j’ai juste besoin de cette excuse pour m’asseoir et me gaver de tout. Et puis, quand ce travail est arrivé, c’était l’excuse. Je me suis assis, je me suis enfermé dans mon appartement et j’ai regardé une centaine d’épisodes en un week-end. Je pense littéralement sans arrêt, et c’était incroyable.

Ensuite, je suis allé voir le manga, je l’ai lu et j’en suis tombé amoureux aussi. Je pense qu’Oda est une conteuse tellement incroyable. Comme si je me sentais tellement chanceux de pouvoir adapter une histoire qui comporte tant de couches. Vous pouvez le lire comme étant simplement amusant, drôle et joyeux. Et pourtant, il y a une complexité politique. Il y a des richesses dans le monde. Il y a littéralement n’importe quel genre de genre que vous voulez. Dans notre saison deux, Whiskey Peak est notre genre de film western à la rencontre des samouraïs, puis vous allez à Little Garden et c’est Parc Jurassique rencontre une saga viking, alors Drum Island est un conte de fées. Vous pouvez raconter n’importe quel type d’histoire que vous voulez dans le cadre de Une pièce. Et il y a si peu d’histoires qui vous permettent de faire cela.

Une chose qui rend la série si unique est l’implication d’Eiichiro Oda. Comment s’est passée son implication cette saison ?

Oda n’est pas seulement un producteur de nom. C’est quelqu’un qui s’implique vraiment activement. Et écoute, il a un travail à plein temps, il fait du manga. Nous avons de la chance de disposer d’autant de temps que nous, et nous ne tenons pas cela pour acquis.

Mais personne ne connaît mieux que lui ce monde et ces personnages.

Ainsi, lorsqu’il lit nos scripts et nous donne des notes, nous répondons à ces notes. Nous prenons ces notes parce que nous serions stupides de ne pas le faire. Ses idées sont impeccables. Et il a juste de grands instincts. Il s’inspire des scripts, ce qui est vraiment cool car ce sont des dessins d’Oda. C’est un penseur tellement visuel. Je me souviens que pour les scripts de Little Garden, il avait dessiné une story map, montrant comment chacune des histoires se croisent dans le manga, avec des visuels. Pour ceux d’entre nous qui sont écrivains, nous pensons en blocs de texte et lui en images. Mais la télévision est une combinaison de ces deux choses, c’est donc un excellent partenariat de travail.

Quelle note avez-vous reçue de lui et qui vous a vraiment marqué ?

Une note qu’il donnait souvent, et je pense que c’est une très bonne note, c’est de ne pas oublier que nous racontons un fantasme. Même si nous sommes une série d’action réelle et qu’une partie de ce que nous faisons consiste à essayer d’ancrer cette histoire dans un sens de réalisme afin que vous croyiez en ce monde, il reste fantastique.

Pour Chopper, nous aurions pu devenir hyper réels, mais Oda a toujours dit dès le début : « Pensez à un ours en peluche ». Un vrai renne est un peu étrange. Ainsi, dans ces premières conversations sur la mesure dans laquelle vous poussez le réalisme par rapport à la qualité câline des contes de fées, il est toujours favorable à ce qui vous émeut le plus. Et peut-être qu’un renne hyper réaliste ne vous émeut pas de la même manière que quelque chose qui ressemble à l’animal en peluche que vous aviez quand vous étiez enfant. Lorsque vous voyez un cerisier en fleurs composé d’un sommet de montagne avec des projecteurs sur des nuages ​​roses à cause de la poudre, vous optez soit pour un nuage réaliste sur une montagne, soit pour quelque chose qui s’appuie sur ce qui semble poétique à propos d’un arbre. C’est la seule note qu’il a que j’ai toujours envie de prendre à cœur, ce qui revient à être plus fidèle à la poésie, parfois plus qu’au réalisme.

Je suis également curieux, car cette saison ajoute des changements intéressants au manga. Comment Oda réagit-elle à cela ?

Il est très positif. Dans notre interview en podcast avec Iñaki Godoy, il met en avant Luffy chantant sur Laboon comme l’un de ses moments préférés, et c’était tout à fait original dans la série.

Et c’est aussi l’un de mes moments préférés. J’aime le fait que cela semble être une façon surprenante de terminer cette histoire. Et pourtant, cela a été mis en place dès la première saison, lorsque le jeune Luffy écoutait Shanks chanter Bink’s Brew en arrière-plan. Nous avons toujours Luffy frappant Laboon. Nous savions que ce sont des images que nous voulions simplement recréer. Mais dans ce cas, nous voulions également une connexion émotionnelle qui puisse être émouvante, excitante et surprenante, même pour les personnes connaissant le matériel source.

Maintenant que vous travaillez sur la saison trois, Alabasta abrite de nombreuses créatures fantastiques, du Karoo aux dugongs de kung-fu et bien plus encore. Comment gérez-vous cela ? Condensez-vous le nombre de créatures, ou quelle est l’approche ?

Nous préférons toujours faire quelque chose plutôt que de ne pas faire quelque chose. Il s’agit de trouver quelle est la meilleure façon pour nous de faire cela, en pensant que c’est le plus amusant. Nous avons les Malchanceux dans la saison 2, mais dans le manga ils ont plus d’apparitions. J’ai donc eu l’impression que si nous ne pouvons les utiliser qu’une seule fois, profitons au maximum du peu de temps dont nous disposons avec eux. Ces créatures sont importantes pour le monde de Une pièce. Ils ajoutent à l’échelle du monde et ajoutent au sentiment de danger et au plaisir de notre monde.

Je pense Une pièce sans créatures, ce serait un spectacle très ennuyeux. Nous allons donc toujours les faire participer, et nous avons toujours ces conversations sur la façon de procéder ? Une des choses que j’étais sûr que nous devions réduire à un moment donné pour des raisons budgétaires était le poisson rouge. Nous savions que c’était si important pour l’histoire des géants, nous avons donc dû trouver un moyen de réaliser ce poisson rouge.

Vous êtes arrivé en tant que showrunner dans la saison deux, et dans la saison trois, vous et Ian Stokes. Comment se déroule cette relation de travail et quels types de leçons Matt Owens vous a-t-il laissé ?

J’ai de la chance car Ian Stokes est dans la série depuis le début. Il était là avec Matt depuis le sol. Même si je suis maintenant co-showrunner senior, il fait partie de la série depuis le début, donc cela n’a pas vraiment changé grand-chose. Ce qui est unique dans la série, c’est que l’échelle est si grande que nous avons deux unités qui tournent tout en même temps, les cascades, le drame, le spectacle. C’est donc comme si vous faisiez deux émissions simultanément, c’est pourquoi vous avez besoin de deux showrunners. Et c’est une émission qui porte essentiellement sur ce qui se passe en pré-production. Nous prévisons tout et nous avons une troisième unité juste pour les cascades afin qu’il n’y ait pas de surprise le jour même et que tout soit en sécurité.

C’est donc juste un spectacle énorme, les mécanismes de réalisation, et je pense que cela semble énorme à l’écran.

Avez-vous un moment ou une histoire que vous voudriez vraiment voir apparaître dans la série si cela dure assez longtemps ?

J’ai mes arcs auxquels je veux vraiment arriver. J’ai l’impression que je ne peux pas les dire dans les interviews juste pour être sûr, mais nous avons des conversations sur la façon dont nous racontons l’histoire d’un personnage ou sur la manière d’accéder à une certaine trame de fond.

Nous rencontrons Miss All Sunday cette saison et les fans savent qu’il y a plus dans son histoire. Nous lui avons donné un rôle légèrement élargi dans la saison deux, et elle est pour nous un visage de Baroque Works, mais c’est un personnage qui a des couches et des couches dans lesquelles creuser.

Nous taquinons un peu plus l’histoire de Sanji cette saison. C’était quelque chose que nous avions vraiment hâte de faire, car cela éclaire l’histoire. Nous avions des versions dans le script où nous voyions le jeune Sanji dans un flashback, puisque nous avions déjà choisi le jeune Sanji pour la première saison. Mais Taz Skylar est un très bon acteur, nous venons de lui faire parler de sa mère et il a tué ce monologue.